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  高德星
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 学术观点

当代花鸟画价值取向小议
高德星

  写意花鸟画在经历了明、清两代的创始期及上一世纪的升华期之后,又以个性化的风貌步入了当代。其发展是在传统与现代,东方与西方的相互碰撞、交流、融合的过程中,把中国花鸟画再次推向一个新格局。
  江山代有才人出,各领风骚一百年,历史将永载大师们在各个不同时期对花鸟画的推动和发展所作出的贡献,齐白石、林风眠、潘天寿等大师正是中国近现代花鸟画的先驱代表,他们对当代花鸟画的发展无疑产生了极大的影响,首先是他们的主体意识和创造精神,在广泛借鉴、吸取的基础上自辟蹊径,开一代新的画风;同时他们还沟通了当代中国花鸟画与古代美术、民间美术和西方美术的通道,使其得以从更多的方面吸取养料,获得旺盛的生命力,摒弃那种一代模仿一代而又一代不如一代的因袭模式,突出主体创造意识,开拓艺术创造的新空间。
  在我近三十年对花鸟画的学习创作过程中,我深刻领悟到中国花鸟画的博大、精深,它是一门深奥的课题,从临摹传统、观察自然到创作,我经历了漫长的艰苦过程,方有领悟,今以点滴之见,以对我多年在创作过程中的探索作一番总结。
  说到大师让我很崇拜,他们的豪情、大志,坚韧不拔的顽强品质和对事业熔铸一生的精神,常常让我激动不已,开始学他们的样子去做,这也就是临摹,临摹古代的花鸟画。其实临摹并非是一种盲从,死临硬摹不得要领是一种徒劳,因为绘画不是机械的,表面的,临摹的目的只是为了掌握用笔用墨的基本方法,了解摹本的创作思路,画面意识和作品格调气息。而并非是以“像”来达到目的,没有理解的临摹只会是貌似神离,曲解其意,好画多读,名画多赏,方能提高眼界,这是我的感觉。
  深入生活是对自然的认知,了解自然中物的构造,从中得到对自然的一种感受,创作是对客观自然进行主观的改造,画家应站在时代的高度认识自然,领悟传统,探讨花鸟画艺术个性形式的源流。艺术作品应体现对传统、社会、人生、自然的深刻体悟,并以主体生命、灵魂在与时代生活的交感、通达中,将传统精髓与时代相合,发扬光大,从而创造出鲜明的艺术个性。
  我的创作理念是:以心交天地,以情动造化,万物与心接,使其达到天人合一的境界,在这里,人是主体,物是客体,情是沟通二者的纽带,主体精神附注于客体之中得以展现,客体渗合主体的情感得以升华,在自然面前,人总是处于主动的、支配的地位,对于这个问题的深悟,是决定花鸟画从表象走向精神的关键。
  我在长期的花鸟画的艺术实践中,总结出自己艺术个性的三个方面:
其一,意象造型与心象内涵相契合,而成为一种塑造形的艺术语言。这不仅反映在水墨写意画中,既似又不似的夸张,形成具有灵性的形体、情态,以表达不同的心象,即使在工笔重彩中,也同样以主观理性很强的色与形的交织,构筑出独特的造型,寂寥的意境,清冷中透出生机,静穆中绽露激动,这些是我画中常见的心象写造。
其二,打破常规性构图程式,险绝之中求平稳,这样可以使画面造成巨大的力量感和特有的结构美,将传统章法内结构加以强化,或作化解,渗合自己对结构及整体外形的新的理解,采用现代的线面分割组合画面,使传统的审美结构向新的审美结构转化,使内结构和外形势在变化和相互作用中,形与形之间产生互映,达到和谐统一。
其三,灵动的水墨花鸟契合山水画的空间处理组合画面,把不同于前人的新的水墨处理方法,注入到自我的形式语言之中,产生朦胧虚幻的空间意境,画面景物常处于若有若无的空朦之中,从而达到,灵性飞禽同自然景物浑然一体,产生互动互静,动与静构成的一种禅意。
  以上是我在花鸟画创作中的心得点滴,谈不上“新”,只能说有点性格而已。时下正值东西文化的大碰撞,各类艺术兼融发展的时期,新文化思潮不断地蕴育而生,花鸟画也由原来的单一传统发展格局形成多元格局的发展。现代文明进入了一个新的历史时期,人们的意识形态在发生着根本变化,新的理念,新的审美在不断地注入到我们的血液里,艺术贵在创新,石涛的名言“笔墨当随时代”确是永久的真理。

在传统中寻找自我--民间美术观察员笑阳对话著名画家高德星

  笑:我感觉你作品中的笔墨和线条还是从古代吸收的营养多一些,可能年轻时临摹了很多古代优秀作品,那时候的临摹和学习体悟,对现在绘画走这条路所起作用有多大? 
  高:我觉得对一个好画家来说,笔墨是根基,有了这个基础才能开拓出自身艺术的一番新天地。艺术家的笔墨和技巧不是作为一种炫耀,而是对开拓未来有很大好处。绘画语言来源于传统的根基,像傅抱石、潘天寿、钱松喦等,都有很深的传统底蕴,最后才形成了各自不同的绘画语言。
  笑:中国画是作者心灵的独白、心情的流露。从古代找镜子时,你感觉你的心情同哪些古人比较合拍? 
  高:八大其实是用自己的表现形式塑造了自己,我觉得有很深的思想内涵。我的绘画我认为思想性也比较强,就是说拟人化,花鸟不仅仅是摹拟自然,实际上注入了自己的情感和思想。很多人画的花鸟是取悦于观众,而我注重的是自我再现,将自我对世界的认识注入到画中。 
  笑:我关注的画家,其中一个标准就是从文心中来,与市场走俏的快餐文化、流行文化有一定距离。流行文化可能是为了迎合一些读者、观众或欣赏者,我所关注的肯定是少数人把玩的。作为一个画家,你怎样处理这个矛盾?
  高:现在的绘画是多元性的,有的接受西方思想多一点,有的接受中国传统文人画书卷气多一点,艺术观念差距大,绘画风格就不一样。有的绘画所跟的潮流,并不是我们所讲的“笔墨当随时代”。从传统文化中走来的又自我又有传统的绘画,我们认为是正道,而有些绘画是一种快餐文化,是时尚、流行,我觉得跟正宗的中国画的发展是有区别的。正宗的中国画可能暂时不被人喜欢,或者被流行冲淡了,但真正好的绘画,一定有很深的传统底蕴的积淀,我认为将来更长久。有底蕴才有发展,路才会无限延伸。所谓的时尚会不断变换,跟到这一波,如果跟不了下一波,很快就枯萎了。
  笑:艺术要想长久发展,我认为只有两个字:真诚。你认为迎合社会潮流或官方文化的一些画家,对待艺术是真诚的还是虚伪的? 
  高:我觉得不一定,他们自己可能认为是原创,走的是跟传统不一样的路,但我们感觉这种原创没有根基。好的艺术都有根基,包括西方绘画。“一方水土养一方人”,他们自己可能认为很现代,很前卫,实际上是西方人的皮毛而已,而且是过去的皮毛,不是西方现在最流行的。 
  笑:经过这几年的思考和体悟,我感觉中国画的根基同中国的儒、释、道密不可分,中庸理论、平和思想等。你感觉中国画同中国传统文化思想有联系吗?
  高:肯定有联系,道家的禅宗“动中有静,静中有动”,实际上就是很辨证的思想,儒家讲求平和的心态对待事物等。中国画同中国的哲学,包括佛教文化紧密相连,东方的意识体系和哲学思想密不可分。 
  笑:中国画最讲究的是线条,你在锤炼线条的时候如何把握? 
  高:笔墨和线条是有发展性的,不能说某一家某一派的线条是最紧密的。以传统底蕴做基石,绘画的笔墨要更新,实际上也代表了文化渊源流传的一个阶段和过程。笔墨是延伸的,并不是固定的。
  笑:你认为中国画同音乐有没有联系?你在绘画时是不是感觉到有音乐的存在? 
  高:古人就有。古人笔墨上节奏的快慢、书法的行云流水都有一种韵律和节奏。现在实际上更讲究,比如潘天寿,他是个很理性的画家,音乐感是随着形式上的跳跃、跌宕,构图等产生,有的往往是笔与笔之间的快慢产生的节奏,当然最后达到的是和谐,是不同音符在同一体系中产生的和谐。 
  笑:美术界存在一种矛盾:纯艺术、纯中国画同官方追求的为政府服务,在题材上下功夫等有很大区别,那你在其中如何适应?
  高:我觉得画家在一个时代对官方的活动也不能回避。官方活动古代就有,宫廷绘画实际上就是官方绘画,为达官贵人、帝王将相服务。现在的艺术家为社会服务,实际上也要做这方面的工作,必须融入社会。官方绘画更多的是一种运动和宣传,为政府服务,为政府运动服务,实际上同画家个人的潜心创作是有区别的。 
  笑:江苏应该说属于文化大省,中国画在江苏源远流长,名家辈出,活跃在当代画坛的画家也为数不少。你觉得南京这个江苏文化中心的氛围,对于中国画的发展壮大有哪些有利和不利因素?
  高:这几年江苏的步子好像不快,但每个人看法不一样,有人觉得江苏仍然很厉害。我觉得江苏主要是出了傅抱石、江苏画派,所以好像很自我,觉得自己是文化大省,绘画走在全国的前面。我认为还是缺少一种开拓。浙江人也受传统思想影响比较重,但比较注重创新。我觉得江苏60多岁画家的传统底蕴还不如四五十岁的这批画家。前面这批画家受江苏画派的影响比较深,而江苏画派是在传统基础上走向生活,间接吸收传统;而四五十岁的画家是自己去认识古人,认识今天,这批人将来发展更大。 
  笑:你在追求笔墨和线条的同时,也在研究绘画本身的感染力和画面效果,你觉得这两方面矛盾吗?会不会因为讲求效果减弱了笔墨和线条? 
  高:我觉得不矛盾,应该说是发展了笔墨和线条的表现意识、视觉效果,是从发展角度来说,不能说是减弱了。因为现代绘画一定要不断从传统中吸取营养,也要从现代艺术,包括电影、装饰、西方艺术等吸收营养,实际上是一种综合修养。 
  笑:南京书画院到目前为止,有朱新建、刘二刚等人物出现,应该说实力蛮强的,南京书画院经常进行一些艺术探讨和争鸣吗?
  高:南京书画院里年轻的画家极具实力,非常有冲击力,中年画家在全国都很有影响,都有自己的绘画语言。我觉得画院还是比较宽松的,学术氛围非常好,大家没有矛盾,各自追求自己的艺术。 
  笑:一个画家或者说比较成熟的艺术家,金钱上多了好还是少了好? 
  高:我觉得饭要慢慢吃,越来越好是比较正常。大起大落对一个画家的艺术成长不是很好。一个画家太落魄,就没有健康的发展;好得太快就容易懒了,不思进取。
  笑:就朱新建和刘二刚而言,他们在艺术观念、艺术成就上有何异同点? 
  高:最初我认识刘二刚时,他是一个很好的山水画家,那时镇江画院到南京来展览,刘二刚是领军人物。很快他放弃了山水去画人物,他画的人物更注重文学性,跟朱新建不同。 
  我个人比较喜欢超脱的画,而朱新建符合这个特点。我觉得一个人再努力,做一个好画家是可能的;吊儿郎当成为一个大画家,这很难。我觉得朱新建就符合我后面讲的,他吊儿郎当实际上是不吊儿郎当,画面给人家的感觉是吊儿郎当,实际上却非常认真,非常执著。我觉得这是他最了不起的地方,很多画家注意画面的表现,实际上失去了自然的放纵。
  笑:我个人认为,朱新建在中国画坛可以说是首屈一指了,你对他的艺术观念、艺术成就也比较认同。同在南京书画院,平时经常交流,经常看他的作品,你觉得你们之间区别在哪?你的创作会吸取和融合一些他的东西吗? 
  高:我觉得朱新建最好的就是“真”,没有浮夸。他的绘画没有什么掩饰,没有去要把画面装饰得怎么样,就是真诚地再现自己,把自己的意识、思想深入到绘画中,把对世界的认识写到绘画中,所以自然和别人拉开很大距离。我很认同他那条路。他的绘画很大气,同他的学养有很大关系。
  我觉得我跟他走的恰恰是不一样的路。我可能吸收综合绘画的营养,对绘画的表现力很在乎。同样吸收老庄、儒家的思想,但并不是说将来我一定要走到他那种样子。比如齐白石注重率真童趣、天真烂漫,而潘天寿一辈子不断把各种绘画营养注入,画面严谨有张力,绘画容量很大,这是潘天寿绘画的核心,而且打破了传统不变的规律。朱新建说过,人一辈子就在解一道题目,题目要做得不大不小,太小了没意思,太大了无解。实际上每个人走到最后,不一样但都有高度才好,又是中国画的正道。正因为不同,中国画才丰富。
  2005.01.09于南京高德星寓所

清逸、超荡、寞廓心--高德星花鸟画的审美个性
文/马鸿增

   第一次看到高德星的花鸟画是在1989年9月。那时他在南京江苏省美术馆举办个人画展,堪称“一鸣惊人”,传统神韵与现代构成共建出清冷静谧的灵境,使画坛为之瞩目。今天,我又饱览他这些年来的一批新作,包括写意和工笔两种风格类型,而内在精神气质无不显示出其更为成熟的个性,奇崛的艺术语言,充分展现出物我交融的人格魅力。 
   毫无疑问,高德星已步入当代花鸟画名家之列,是一颗耀眼的花鸟画明星。  
   然而明星的升腾却经历了一番曲折乃至痛苦的旅程。德星是满族人,祖籍辽宁,1958年生于南京。由于父亲青年时代投身东北军,为爱国将领张学良的部属军官,这一“历史问题”使德星的童年蒙上了一层阴影。也许正是苦涩的岁月,养成了他孤僻独处、少言寡语的性格。但内心的聪慧促使他早早地爱上字画,并从中得到无穷的乐趣。投师无门,干脆以先贤为师。他成了裱画店、美术馆、博物馆的常客。于是,宋人工笔花鸟,八大山人、虚谷、任伯年、吴昌硕的写意花鸟,李斯、张迁、石门、兰亭、颜柳诸碑帖,都被他反复临摹、反复琢磨,深深悟出传统艺术的魅力。  
   进入20世纪80年代,德星更站在时代的高度去认识、领悟传统的精髓。在探讨艺术个性形成的源流时,他发现,历代大师作品无不体现出对传统、社会、人生、自然的深刻体悟,并以主体生命、灵魂在与时代生活的交感、通达中,将传统精髓与时代相合,发扬光大,从而创出鲜明的艺术个性。正是在这种认识的基础上,80年代中期面对西方现代艺术的冲击,部分画家迷失理性之时,他却冷静地研读了大量古今中外的艺术理论和画册,进行分析、综合与鉴赏。他意识到必须坚定地立足于民族艺术,同时必须吸收新鲜空气,方能继往开来。这期间,他广为游历名山大川、古塬遗址。大自然的草木禽鸟,深深激发着他的创作热情和创作灵感。他善画花鸟,也画山水。那些夸张变形的灵性飞禽,或清影孤傲,或悲泣哀鸣,或振翅昂扬⋯⋯放射出奇兀的审美之光。背景简洁而不落俗套,或池塘芦苇,或竹枝疏影,或枯枝衰叶,或晓风残月,一块石,一片云⋯⋯烘托着各种小生命在不同环境中的情态,都具有动静相成的禅意,体现出生命的力量,而且成为画家自我心象的表白和人格的写照。  
   20世纪90年代,德星的创作进入第三阶段,个性风格更为成熟,更重内美,艺术观进一步深化。艺术创作应是以心交天地,以情动造化,万物与心接,使其达到天人合一的境界。在这里人是主体,物是客体,情是沟通二者的纽带,主体精神附注于客体之中得以展现,客体渗合主体的情感得以升华。在自然面前,人总是处于主动的、支配的地位。对于这个问题的深悟,是决定花鸟画从表象走向精神的关键。应当说,这种见解是切中中华民族审美观的核心的。近些年他创作甚丰,《归雁》入选第八届全国美展,《云悠》入选1992年国际水墨画大展,《晚晴》入选1996年全国著名花鸟画家作品展并获优秀奖,1998年《一日秋风》在“江苏美术节”上获银奖。2000年《阳春》获“民族魂、国土情”中国画大赛三等奖。2002年《祥》参加“纪念毛泽东《在延安文艺座谈会上的讲话》发表60周年”全国美术作品展并获优秀奖。应邀参加“东方之韵——2003中国水墨展”(当代水墨画探索展)。又先后在中国香港、台湾及美国、新加坡等地举办个人画展,声名远播海内外。
作为一位审美个性鲜明的花鸟画家,高德星的艺术语言特性主要表现在三方面:  
   其—,意象造型与心象内涵相契合,而成为一种造型的艺术语言。这不仅反映在水墨写意画中,即似又不似的夸张,形成具有灵性的形体、情态,以表达不同的心象;而且,即使在工笔重彩画中,也同样以主观理性很强的色与形的交织,构筑出独特的造型、寂寥的意境。清冷中透出生机,静穆中展露激动,这是他画中常见的心象。《雁落荷塘藕风凉》是在生纸上绘就的工笔画,荷叶被清晨薄雾拥抱,一切朦胧淡化,清冽宁馨。但见河滩上一动一静两只鸿雁,栖息于绿丛中,微风拂叶,轻轻摆动,和着生命的节律。感性与理性的契合,意象与心象的契合,使他的画超越了形神兼备的格局,一跃而入逸品之境。 
   其二,构图奇特,以险求稳。将传统章法内结构加以强化,或是化解、渗合自己对结构及整体外形的新的理解,采用现代的线面分割组合画面,使传统的审美结构向新审美结构转化,使内结构和外形式在变化、相互作用中,形与形之间产生互映,达到和谐统一。他的画大开大合,恣肆奇崛,大处有气势,小处备法度。《月色无声》画面上方一块半岩石上站着两只意象的猫头鹰,老树干从左方由下而上,穿过石岩,三两根细枝着叶纵横交错,月光用有节奏的墨块铺陈托出,一片朦胧、虚幻之美,猫头鹰犹如卫士般警惕地注视着神秘的夜幕。德星的许多作品都把画面所有的形象、色彩、笔墨乃至题字、印章作为构图的有机构成加以推敲,达到虚实相生、相破相成、险稳结合的效果,洋溢着现代气息。  
   其三,灵动的水墨技巧和山水画的空间意识。不少前辈名家对此发表评价。亚明赞扬他的画神韵气足,花鸟画中有山水画的空间意识,很难得。宋文治认为他用水很独到。的确,德星的画在笔墨、水分、空间的处理上颇有张力,这和他兼精山水画是分不开的。记得钱松说过,山水画用笔内敛,意多在收;花鸟画用笔恣肆,意多在放。放而必须凝练,就要收。专画花卉者,偶尔画山水未必佳;专画山水者,画花卉未必不佳。因为德星在用笔上相互借鉴,而且将山水的空间意识也自然运用到花鸟画创作中来。这就使画境更为幽邃旷达,更加耐人寻味。他突破一般折枝画法模式,而获得近于潘天寿花鸟画的容量。看大写意的《枭风》,以粗犷豪放的笔墨,写寒风中兀立于山巅的群鹰,背负青天,俯瞰大地,高低错落,神态各异。宏大的气势中蕴藏着强悍的生命力,使人精神为之一振。 
   德星画品清逸,人品超脱,以艺事为生命,终于创出极具个性化的视觉图式,实现了他执著追求的“真诚地画出自我”。他毫不满足,仍在不懈地探索登攀。期以数年,又将展示怎样的审美风采呢?我拭目以待。 

徐志敏--2010年推荐当代最具有潜力的十名画家之一
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